Adam and Eve Raised Cain

We all know how hard it is for talent to emerge in the art field. That is why from time to time, in my own small way, I have tried  to give voice to young promising artists; some of them went on with their careers with excellent results, as did Fulvio Risuleo whose work I wrote about and who then won the first prize of the “Semaine de la Critique” at Cannes Film Festival.
I say this not to brag about my farsightedness, but in the secret hope that Bizzarro Bazar might turn out to be bringing good luck also in the future: today I would like to present you with a curious Italian stop-motion short film which in my view is a true little gem.

Entitled Adam and Eve Raised Cain, it was written, directed, animated and edited by Francesco Erba, born in 1986, from Bergamo.
Before discussing the short with his author, I advise you to take some 20 minutes off and let yourself drift into the fark, disturbing atmosphere of this little film.

The short film starts off with a declaration of love to Sci-Fi B-movies from the Fifties (Jack Arnold, Roger Corman, Bert I. Gordon  and their giant radioactive monsters), and goes on to pay homage even to the father of fantasy in motion pictures, Georges Méliès.
But the true references here are to horror and science fiction film directors from the Eighties, Carpenter, Hooper or Cronenberg. These nods are perfectly inserted in their context (an all too rare occurrence these days): the main character’s passion for monster movies, for instance, becomes a pivotal dramatic element in a scene where the child’s toys are sold, a psychologically scarring moment for little Albert.
Any citationism, even when done with a purpose, entails the risk of breaking the spectator’s identification, projecting the public “outside” of the film, and lessening its emotional impact. It could be because of the visceral and painful nature of the themes addressed in this short, but Francesco Erba succeeds in the task of creating an even stronger connection with his character: it’s as if, when observed through the filter of the American movies the 80’s generation grew up with, Albert’s trauma became more recognizable, more humane – despite his rough stop-motion puppet appearance.

Since he was a child, Francesco has been living and breathing cinema. How could he tell a tale of fear and love, if not by going back to those films which frightened him or made him fall in love?
This, in my opinion, is the admirable subtlety of Adam and Eve Raised Cain, a sensitivity which many narratives of nostalgia lack.
Behind the animated film facade, behind the entertainment, Erba is depicting a world of solitude and mental cages. And whenever he relies on some vintage stylistic elements, he’s not throwing them to his audience like peanuts just to stimulate some cinephile pavlovian response: he is using them because, to him, they still represent the best (maybe the only) way to really tell us about the wounds and anguish tormenting his character, both a victim and a perpetrator.

I asked Francesco Erba a few questions about his work.

How was this project born, and how did you manage to make it happen?

The concept for Adam and Eve was one of many sitting in my “Ideas” folder, on my laptop. After spending much time working with and for others, I decided it was time to shoot something new for myself. Sifting through the folder (and discarding all million-budget ideas!), the one that was left was a live-action version of Adam and Eve.
I started working on it, inserting new elements and focusing on the structure until I realized what I was really trying to tell: my film was about imprisonment, in all its possible meanings.

Once the script was completed, it started to dawn on me that this film could – should – be realized in stop motion: enclosing some puppets in a 1.5x1m box would cartainly take this idea of “imprisonment” to the extreme.

I knew all too well that to shoot this film in stop motion, as I had it layed out and with the resources at hand, it would take at least 2 years of work. I had to prepare a complete storyboard, character studies and preliminary drawings, set and prop construction, sculpting and mold making, motion tests, all leading up to several weeks of shooting in a dark room. And then the digital effects, and compositing the live actors’ eyes on the latex puppets, a process that had to be done frame by frame…

I mustered up all my masochism, started filming, and in the end I discovered I was even too optimistic. It took nearly three and a half years to complete the short movie!

Was the choice of stop motion limiting or did it give you more freedom? Which challenges were the most tough in producing the film?

Stop motion, which I do not consider just an animation technique, but THE animation technique, has an unquestionable charm which transcends time and technological innovations. But it can also be a real bitch!
If on one hand it allows full artistic freedom even on a tight budget, on the other it is certainly demanding in shooting time, shooting process, scenic design (sometimes down to miniaturization). Every aspect needs to be considered in advance, carefully calculated and measured, and you very often have to use your ingenuity to bypass problems: if I cannot move my camera, then I need to build a slider rig, and so on.

All these limitations, I think, really disappear when looking at the final result, at what you can create with this incredible technique. Take for example the movies produced by Laika today: they teach us that stop motion, although very old and almost the same age of cinema itself, has no limits other than those dictated by budget or creativity.

Adam and Eve seems to tap into the current vein of nostalgia for the 80’s (Super 8, Stranger Things, the San Junipero episode from Black Mirror, etc.). Did any film in particular inspire you? Is there some director’s work you had in mind while writing the script?

The short was filmed back in 2011, before this new wave of nostalgia for the cinema of the 80’s and 90’s (at least I chose to put it online at the right time!). Inevitably, it ended up containing many elements from the films I grew up with, which are now part of my DNA; these are references I cannot leave out of consideration.

Actually when you think about it, even those cinematic references coming from my imprinting are enclosed, like the rest of the story, in a chinese box system. Besides the cinema from the 80’s and 90’s, I chose to include some references to the films those very directors took inspiration from and sometimes plagiarised, namely monster movies from the 50’s. Taking it to the extreme, as I did with every aspect of the short, I went even further, paying homage to Méliès himself.

Sometimes directors get asked to summarize in few words the style they’re aiming for. My answer, right from the start, was: “think Rob Zombie doing stop-motion animation”. A coarse, wicked, sharp and sometimes repulsive style, which had to be recognizable in each aspect of the film.
But ofcourse I’m semplifying. If I think back to all the directors who inspired me, it might look like a meaningless list, and yet in Adam and Eve‘s world of opposites and extremes they make perfect sense to me: Carpenter, Cronenberg, Jackson, Spielberg, Selick, Park Chan-wook, Harryhausen, Quay, Svankmajer, Peter Lord and Aardman, Laika… they all influenced in a creative way the approach I chose for this short film, and its genesis.

The film shows extremely adult themes: phobia, alienation, family violence, unwanted pregnancy, despair. Yet all this is filtered through obvious irony: the handcrafted animation and the homages to the imaginary of American cinema make the film a “second level” experience. I personally find this ambiguity to be one of the strenghts of the project. But in your intent, should Adam and Eve be seen as pure entertainment, or taken more seriously?

This is one aspect of the “research” which I very humbly try to carry on with my work. One of he constants that can be found in everything I’ve done until now, from short films to music videos, from a pilot for a children TV show to the feature film I’m working on, is a search for the limit and the balance between two opposite extremes.

Using stop motion (which is often regarded as a technique for “children movies”) to tell an adult story, making an adult film about imprisonment, alienation and phobias with latex puppets, this is already a strong combination. To “cage” a real actor’s eyes inside the puppet, thus closing him within these narrow limits, to me is a further exaggeration of this concept. If you then imagine myself, the animator, stuck in strange positions and “prisoner” of a small dark room, the narrative gets really dizzying!

And what about the entertainment? Well, I’m not one of those who think cinema has the power to save the world, but it certainly makes it a little better. To me, films should not try to give answers, just to ask questions and create emotions.  It you’re looking for important answers, you’d better get a ticket for the museum, rather than for the movie theatre.
According to this philosphy, Adam and Eve is of course to be taken as a visual experience and not just as an artistic research: I think the scenes in which I “physically” enter the main character’s brain to show his past. make it clear that it’s also meant to be a product of pure entertainment.

This short film must have been quite a training ground. Will you continue with animation? What are your future projects? 

I am finishing my first live action feature film: here my personal research has evolved even further, as my movie is narratively and stylistically composed of an investigative report, a mockumentary and a more “traditional” film.
In the last few months I have been working on a TV animated puppet series for 5/6-years-old children, a project I very much believe in, and which gave me the opportunity to experiment with a different kind of animation.

As for stop motion, its “call” is very strong, despite the huge sacrifices that Adam and Eve demanded. One day I would love to be able to film my peculiar horror version of Peter Pan, or another small short film on Tesla and Edison.
A director’s work is often based on human interaction and mediation… I confess I sometimes miss being alone in my little dark room, moving my puppet’s head frame after frame!

Here is Adam and Eve Raised Cain Facebook page.

Madame Tutli-Putli

Una fragile giovane donna sale su un treno notturno, e fa la conoscenza degli strani e inquietanti personaggi che condividono il suo scompartimento: il viaggio si trasforma presto in un incubo lynchiano e surreale.

Questa la semplice trama del cortometraggio d’animazione Madame Tutli-Putli (2007) di Chris Lavis e Maciek Szczerbowski, prodotto dal National Film Board of Canada e vincitore di una serie di prestigiosi premi. Ma la vera forza del film sta in una particolare innovazione apportata alla risaputa tecnica della stop-motion: gli occhi dei personaggi sono infatti quelli di attori reali, girati dal vero e compositati in seguito sul volto dei pupazzi animati a passo uno. Basta questo a fare la differenza, perché gli occhi sono sempre il fulcro dell’emozione.

Il processo, lungo e laborioso, ha impiegato più di cinque anni di lavoro, eppure il frutto della fatica degli animatori è tutto sullo schermo: mai, prima di Madame Tutli-Putli, si erano visti dei pupazzi talmente vivi, espressivi e umani come quelli messi in scena dai registi canadesi.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=GGyLP6R4HTE]

Luminaris

Luminaris (2011) è un cortometraggio diretto dal regista, grafico e animatore argentino Juan Pablo Zaramella. Il corto, girato con la tecnica della pixilation combinando attori reali con oggetti animati e sequenze in time-lapse.

La sua squisita atmosfera poetica, surreale e ironica gli ha già fruttato 250 premi attraverso il mondo, inclusa la nomination agli Oscar come miglior cortometraggio nel 2011.

[vimeo http://vimeo.com/24051768]

Ecco il sito ufficiale di Luminaris.

Canti della Forca

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In ogni adulto veramente tale si cela un fanciullo

e questo fanciullo vuole giocare.

(Friederich Willielm Nietzsche)

Si apre con questa citazione – una vera e propria dichiarazione d’intenti – il nuovo lavoro di Stefano Bessoni, illustratore e filmmaker romano ormai familiare ai lettori assidui di Bizzarro Bazar, e che da questo mese ritorna in libreria con un volume che, è il caso di dirlo, riserva più di una sorpresa.

La prima sorpresa è che Canti della Forca – Galgenlieder, edito da Logos in formato più grande rispetto ai precedenti Wunderkammer, Homunculus e Alice Sotto Terra, ci introduce alla curiosa ed eccentrica opera di Christian Morgenstern (1871-1914), autore perlopiù sconosciuto in Italia.

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Il libro prende infatti spunto da una serie di oscuri componimenti in versi che l’autore monacense ideò durante un’escursione a Werder, dove si trovavano i resti di un vecchio patibolo. In tale occasione creò, insieme ad alcuni amici, una confraternita goliardica detta “della Forca”. Da quel soggiorno nacquero le poesie raccolte sotto i titoli Galgenlieder, Palmström e Palma Kunkel, strani poemetti che davano voce ad un gruppo di impiccati per i quali il patibolo diveniva un punto d’osservazione privilegiato, in cui finalmente la vita umana, con le sue debolezze e le sue paure, veniva messa nella giusta prospettiva. Queste “poesie del patibolo” sono dunque apparentemente infantili, sconclusionate, accomunabili al nonsense britannico, e prefigurano a loro modo l’approccio dadaista o surrealista; ma nascondono, sotto questa facciata giocosa, una vera e propria riflessione sull’uomo e sulle priorità della vita. Lo stesso stile poetico irriverente sembra spernacchiare la poesia “alta” e i suoi dettami: gli impiccati, che hanno visto cosa c’è dall’altra parte, si fanno beffe della seriosità degli accademici, e sono in grado di ridere di tutto e di tutti.

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Gli impiccati di Morgenstern, Bessoni li ha scoperti per puro caso anni fa scartabellando fra le vecchie edizioni di una bottega di libri usati, e ne è rimasto folgorato. In effetti queste poesie stralunate si sposano perfettamente con il mondo grottesco, fragile e poetico delle sue illustrazioni: portati sulla carta dalla matita e dal pennello dell’artista, i personaggi tutto sommato un po’ criptici dei Galgenlieder aquistano una nuova dimensione, grazie anche alla favola di cui Bessoni ha deciso di renderli protagonisti. Una fiaba macabra che, rispetto ad altri suoi lavori, tradisce maggiormente l’ironia che ha sempre fatto da sottofondo a tutte le “rivisitazioni” e riletture che ci ha proposto in questi anni – Alice su tutte.

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La seconda sorpresa, ancora più gustosa, si trova sulla terza di copertina: in allegato al libro è proposto un DVD contenente un cortometraggio realizzato con un misto di live action e stop-motion. Ecco che, grazie a questa ulteriore fatica, i bislacchi impiccati che abbiamo conosciuto fra le pagine del libro prendono letteralmente vita.

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Il film è davvero un piccolo gioiellino. Ripropone, nella cornice delle sequenze animate, un “narratore” molto simile al protagonista di Krokodyle, interpretato dallo stesso Lorenzo Pedrotti, come se il cortometraggio Canti della Forca fosse un prolungamento, uno spin-off o una fantasia collegata dichiaratamente all’universo del film precedente. Ma sono le animazioni a passo uno, curatissime nella scenografia e nella realizzazione dei pupazzi, e le splendide canzoni create appositamente dagli Za-Bùm, che ci trasportano immediatamente in un mondo cupo e strampalato, meraviglioso.

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Il cortometraggio ribadisce quanto, per Stefano Bessoni, illustrazione e cinema siano indissolubili e complementari: il regista trova qui la sua dimensione ideale, riuscendo a donare la profondità e il movimento ai personaggi usciti direttamente dal suo tavolo da disegno. In totale indipendenza creativa (il team produttivo è praticamente lo stesso di Krokodyle), Bessoni dà vita al suo immaginario in maniera forse mai così convincente: d’altronde, per quanto sia un processo lungo e laborioso, la stop-motion dei Canti della Forca è evidentemente anche ludica.

A questo proposito, Rick Baker diceva di Harryhausen, maestro dell’animazione a passo uno: “Ray ci ha dimostrato che un adulto poteva giocare con i mostri, e farla franca”. Anche Bessoni nasconde un fanciullo: siamo grati che quel fanciullo abbia ancora voglia e forza di giocare.

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Canti della Forca – Galgenlieder è prenotabile qui.

Pingu vs. La cosa

Punto primo: Pingu è una serie animata svizzera per bambini, realizzata in claymation.

Punto secondo: La cosa (1982) di John Carpenter è senza dubbio uno dei migliori film horror di sempre e ha indelebilmente marcato l’immaginario cinematografico.

Punto terzo: arriva il geniale Lee Hardcastle e ci propone l’incontro fra il pinguino preferito dai bambini e il mostruoso alieno, rivisitanto le sequenze da antologia del film di Carpenter, con risultati esilaranti.

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Doxology

Ecco a voi Doxology, un cortometraggio sperimentale diretto nel 2007 da Michael Langan. Delirante e assurdo gioiello di surrealismo e visioni allucinate, il corto utilizza la tecnica della pixillation, un tipo particolare di stop-motion in cui gli attori in carne ed ossa vengono “animati” a passo uno, fotogramma per fotogramma, come si farebbe con un pupazzo o un cartone animato.

Palline da tennis, danze con le automobili, misteriose riprese aeree che sembrano essere contemporaneamente fisse e in movimento… e questo titolo criptico, riferimento alla dossologia liturgica, che rimanda all’idea della ripetizione, e al concetto di sacro. Come se questo potesse essere il beffardo sguardo che Dio lancia verso l’uomo – uno sguardo ironico e incomprensibile, all’interno del quale tutto è fermo e allo stesso tempo in continua mutazione, e che vede l’essere umano come una piccola e buffa marionetta.

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Robert Morgan

Robert Morgan è un filmmaker e animatore inglese, dalla fantasia macabra e sfrenata. I suoi surreali lavori in stop-motion hanno vinto numerosi premi, e se avete un po’ di tempo vale davvero la pena di darci un’occhiata: ecco il sito ufficiale di Robert Morgan.

Vi proponiamo qui il suo eccezionale cortometraggio The Separation, la cui trama rimanda chiaramente a Inseparabili (1988) di David Cronenberg, ma che contamina il suo modello con un’atmosfera malsana, morbosa eppure, nel finale, stranamente commovente.

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(Grazie, Paolo!)

Distruzione in slow-motion

Abbiamo già mostrato l’effetto di un pugno su un volto umano in slow-motion. Guardate ora questo video che mostra diversi materiali distrutti al rallentatore. Particolarmente interessante è la mano del karateka che spezza un blocco di cemento: le dita mostrano un’inaspettata elasticità all’impatto.

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